jueves, 4 de noviembre de 2010

El cuerpo utópico*

En esta conferencia de Foucault –que acaba de publicarse en castellano–, el cuerpo es primero “lo contrario de una utopía”, lugar “absoluto”, “despiadado”, al que se confronta la utopía del alma. Pero finalmente el cuerpo, “visible e invisible”, “penetrable y opaco”, resulta ser “el actor principal de toda utopía” y sólo calla ante el espejo, ante el cadáver o ante el amor.




Por Michel Foucault **

Apenas abro los ojos, ya no puedo escapar a ese lugar que Proust, dulcemente, ansiosamente, viene a ocupar una vez más en cada despertar1. No es que me clave en el lugar –porque después de todo puedo no sólo moverme y removerme, sino que puedo moverlo a él, removerlo, cambiarlo de lugar–, sino que hay un problema: no puedo desplazarme sin él; no puedo dejarlo allí donde está para irme yo a otra parte. Puedo ir hasta el fin del mundo, puedo esconderme, de mañana, bajo mis mantas, hacerme tan pequeño como pueda, puedo dejarme fundir al sol sobre la playa, pero siempre estará allí donde yo estoy. El está aquí, irreparablemente, nunca en otra parte. Mi cuerpo es lo contrario de una utopía, es lo que nunca está bajo otro cielo, es el lugar absoluto, el pequeño fragmento de espacio con el cual, en sentido estricto, yo me corporizo.

Mi cuerpo, topía despiadada. ¿Y si, por fortuna, yo viviera con él en una suerte de familiaridad gastada, como con una sombra, como con esas cosas de todos los días que finalmente he dejado de ver y que la vida pasó a segundo plano, como esas chimeneas, esos techos que se amontonan cada tarde ante mi ventana? Pero todas las mañanas, la misma herida; bajo mis ojos se dibuja la inevitable imagen que impone el espejo: cara delgada, hombros arqueados, mirada miope, ausencia de pelo, nada lindo, en verdad. Y es en esta fea cáscara de mi cabeza, en esta jaula que no me gusta, en la que tendré que mostrarme y pasearme; a través de esta celosía tendré que hablar, mirar, ser mirado; bajo esta piel tendré que reventar. Mi cuerpo es el lugar irremediable al que estoy condenado. Después de todo, creo que es contra él y como para borrarlo por lo que se hicieron nacer todas esas utopías. El prestigio de la utopía, la belleza, la maravilla de la utopía, ¿a qué se deben? La utopía es un lugar fuera de todos los lugares, pero es un lugar donde tendré un cuerpo sin cuerpo, un cuerpo que será bello, límpido, transparente, luminoso, veloz, colosal en su potencia, infinito en su duración, desligado, invisible, protegido, siempre transfigurado; y es bien posible que la utopía primera, aquella que es la más inextirpable en el corazón de los hombres, sea precisamente la utopía de un cuerpo incorpóreo. El país de las hadas, el país de los duendes, de los genios, de los magos, y bien, es el país donde los cuerpos se transportan tan rápido como la luz, es el país donde las heridas se curan con un bálsamo maravilloso en el tiempo de un rayo, es el país donde uno puede caer de una montaña y levantarse vivo, es el país donde se es visible cuando se quiere, invisible cuando se lo desea. Si hay un país mágico es realmente para que en él yo sea un príncipe encantado y todos los lindos lechuguinos se vuelvan peludos y feos como osos.

Pero hay también una utopía que está hecha para borrar los cuerpos. Esa utopía es el país de los muertos, son las grandes ciudades utópicas que nos dejó la civilización egipcia. Después de todo, las momias, ¿qué son? Es la utopía del cuerpo negado y transfigurado. La momia es el gran cuerpo utópico que persiste a través del tiempo. También existieron las máscaras de oro que la civilización micénica ponía sobre las caras de los reyes difuntos: utopía de sus cuerpos gloriosos, poderosos, solares, terror de los ejércitos. Existieron las pinturas y las esculturas de las tumbas; los yacientes, que desde la Edad Media prolongan en la inmovilidad una juventud que ya no tendrá fin. Existen ahora, en nuestros días, esos simples cubos de mármol, cuerpos geometrizados por la piedra, figuras regulares y blancas sobre el gran cuadro negro de los cementerios. Y en esa ciudad de utopía de los muertos, hete aquí que mi cuerpo se vuelve sólido como una cosa, eterno como un dios.

Pero tal vez la más obstinada, la más poderosa de esas utopías por las cuales borramos la triste topología del cuerpo nos la suministra el gran mito del alma, desde el fondo de la historia occidental. El alma funciona en mi cuerpo de una manera muy maravillosa. En él se aloja, por supuesto, pero bien que sabe escaparse de él: se escapa para ver las cosas, a través de las ventanas de mis ojos, se escapa para soñar cuando duermo, para sobrevivir cuando muero. Mi alma es bella, es pura, es blanca; y si mi cuerpo barroso –en todo caso no muy limpio– viene a ensuciarla, seguro que habrá una virtud, seguro que habrá un poder, seguro que habrá mil gestos sagrados que la restablecerán en su pureza primigenia. Mi alma durará largo tiempo, y más que largo tiempo, cuando mi viejo cuerpo vaya a pudrirse. ¡Viva mi alma! Es mi cuerpo luminoso, purificado, virtuoso, ágil, móvil, tibio, fresco; es mi cuerpo liso, castrado, redondeado como una burbuja de jabón.

Y hete aquí que mi cuerpo, por la virtud de todas esas utopías, ha desaparecido. Ha desaparecido como la llama de una vela que alguien sopla. El alma, las tumbas, los genios y las hadas se apropiaron por la fuerza de él, lo hicieron desaparecer en un abrir y cerrar de ojos, soplaron sobre su pesadez, sobre su fealdad, y me lo restituyeron resplandeciente y perpetuo.

Pero mi cuerpo, a decir verdad, no se deja someter con tanta facilidad. Después de todo, él mismo tiene sus recursos propios de lo fantástico; también él posee lugares sin lugar y lugares más profundos, más obstinados todavía que el alma, que la tumba, que el encanto de los magos. Tiene sus bodegas y sus desvanes, tiene sus estadías oscuras, sus playas luminosas. Mi cabeza, por ejemplo, mi cabeza: qué extraña caverna abierta sobre el mundo exterior por dos ventanas, dos aberturas, bien seguro estoy de eso, puesto que las veo en el espejo; y además, puedo cerrar una u otra por separado. Y sin embargo no hay más que una sola de esas aberturas, porque delante de mí no veo más que un solo paisaje, continuo, sin tabiques ni cortes. Y en esa cabeza, ¿cómo ocurren las cosas? Y bien, las cosas vienen a alojarse en ella. Entran allí –y de eso estoy muy seguro, de que las cosas entran en mi cabeza cuando miro, porque el sol, cuando es demasiado fuerte y me deslumbra, va a desgarrar hasta el fondo de mi cerebro–, y sin embargo esas cosas que entran en mi cabeza siguen estando realmente en el exterior, puesto que las veo delante de mí y, para alcanzarlas, a mi vez debo avanzar.

Cuerpo incomprensible, cuerpo penetrable y opaco, cuerpo abierto y cerrado: cuerpo utópico. Cuerpo absolutamente visible, en un sentido: muy bien sé lo que es ser mirado por algún otro de la cabeza a los pies, sé lo que es ser espiado por detrás, vigilado por encima del hombro, sorprendido cuando menos me lo espero, sé lo que es estar desnudo; sin embargo, ese mismo cuerpo que es tan visible, es retirado, es captado por una suerte de invisibilidad de la que jamás puedo separarlo. Ese cráneo, ese detrás de mi cráneo que puedo tantear, allí, con mis dedos, pero jamás ver; esa espalda, que siento apoyada contra el empuje del colchón sobre el diván, cuando estoy acostado, pero que sólo sorprenderé mediante la astucia de un espejo; y qué es ese hombro, cuyos movimientos y posiciones conozco con precisión pero que jamás podré ver sin retorcerme espantosamente. El cuerpo, fantasma que no aparece sino en el espejismo de los espejos y, todavía, de una manera fragmentaria. ¿Acaso realmente necesito a los genios y a las hadas, y a la muerte y al alma, para ser a la vez indisociablemente visible e invisible? Y además ese cuerpo es ligero, es transparente, es imponderable; nada es menos cosa que él: corre, actúa, vive, desea, se deja atravesar sin resistencia por todas mis intenciones. Sí. Pero hasta el día en que siento dolor, en que se profundiza la caverna de mi vientre, en que se bloquean, en que se atascan, en que se llenan de estopa mi pecho y mi garganta. Hasta el día en que se estrella en el fondo de mi boca el dolor de muelas. Entonces, entonces ahí dejo de ser ligero, imponderable, etc.; me vuelvo cosa, arquitectura fantástica y arruinada.

No, realmente, no se necesita sortilegio ni magia, no se necesita un alma ni una muerte para que sea a la vez opaco y transparente, visible e invisible, vida y cosa; para que sea utopía basta que sea un cuerpo. Todas esas utopías por las cuales esquivaba mi cuerpo, simplemente tenían su modelo y su punto primero de aplicación, tenían su lugar de origen en mi propio cuerpo. Estaba muy equivocado hace un rato al decir que las utopías estaban vueltas contra el cuerpo y destinadas a borrarlo: ellas nacieron del propio cuerpo y tal vez luego se volvieron contra él.

En todo caso, una cosa es segura, y es que el cuerpo humano es el actor principal de todas las utopías. Después de todo, una de las más viejas utopías que los hombres se contaron a ellos mismos, ¿no es el sueño de cuerpos inmensos, desmesurados, que devorarían el espacio y dominarían el mundo? Es la vieja utopía de los gigantes, que se encuentra en el corazón de tantas leyendas, en Europa, en Africa, en Oceanía, en Asia; esa vieja leyenda que durante tanto tiempo alimentó la imaginación occidental, de Prometeo a Gulliver.

También el cuerpo es un gran actor utópico, cuando se trata de las máscaras, del maquillaje y del tatuaje. Enmascararse, maquillarse, tatuarse, no es exactamente, como uno podría imaginárselo, adquirir otro cuerpo, simplemente un poco más bello, mejor decorado, más fácilmente reconocible; tatuarse, maquillarse, enmascararse, es sin duda algo muy distinto, es hacer entrar al cuerpo en comunicación con poderes secretos y fuerzas invisibles. La máscara, el signo tatuado, el afeite depositan sobre el cuerpo todo un lenguaje: todo un lenguaje enigmático, todo un lenguaje cifrado, secreto, sagrado, que llama sobre ese mismo cuerpo la violencia del dios, el poder sordo de lo sagrado o la vivacidad del deseo. La máscara, el tatuaje, el afeite colocan al cuerpo en otro espacio, lo hacen entrar en un lugar que no tiene lugar directamente en el mundo, hacen de ese cuerpo un fragmento de espacio imaginario que va a comunicar con el universo de las divinidades o con el universo del otro. Uno será poseído por los dioses o por la persona que uno acaba de seducir. En todo caso la máscara, el tatuaje, el afeite son operaciones por las cuales el cuerpo es arrancado a su espacio propio y proyectado a otro espacio.

Escuchen, por ejemplo, este cuento japonés y la manera en que un tatuador hace pasar a un universo que no es el nuestro el cuerpo de la joven que él desea:

“El sol disparaba sus rayos sobre el río e incendiaba el cuarto de las siete esteras. Sus rayos reflejados sobre la superficie del agua formaban un dibujo de olas doradas sobre el papel de los biombos y sobre la cara de la joven profundamente dormida. Seikichi, tras haber corrido los tabiques, tomó entre sus manos sus herramientas de tatuaje. Durante algunos instantes permaneció sumido en una suerte de éxtasis. Precisamente ahora saboreaba plenamente la extraña belleza de la joven. Le parecía que podía permanecer sentado ante ese rostro inmóvil durante decenas y centenas de años sin jamás experimentar ni fatiga ni aburrimiento. Así como el pueblo de Menfis embellecía antaño la tierra magnífica de Egipto de pirámides y de esfinges, así Seikichi con todo su amor quiso embellecer con su dibujo la piel fresca de la joven. Le aplicó de inmediato la punta de sus pinceles de color sostenidos entre el pulgar, el anular y el dedo pequeño de la mano izquierda, y a medida que las líneas eran dibujadas, las pinchaba con su aguja sostenida en la mano derecha”.

Y si se piensa que la vestimenta sagrada, o profana, religiosa o civil hace entrar al individuo en el espacio cerrado de lo religioso o en la red invisible de la sociedad, entonces se ve que todo cuanto toca al cuerpo –-dibujo, color, diadema, tiara, vestimenta, uniforme–, todo eso hace alcanzar su pleno desarrollo, bajo una forma sensible y abigarrada, las utopías selladas en el cuerpo.

Pero acaso habría que descender una vez más por debajo de la vestimenta, acaso habría que alcanzar la misma carne, y entonces se vería que en algunos casos, en su punto límite, es el propio cuerpo el que vuelve contra sí su poder utópico y hace entrar todo el espacio de lo religioso y lo sagrado, todo el espacio del otro mundo, todo el espacio del contramundo, en el interior mismo del espacio que le está reservado. Entonces, el cuerpo, en su materialidad, en su carne, sería como el producto de sus propias fantasías. Después de todo, ¿acaso el cuerpo del bailarín no es justamente un cuerpo dilatado según todo un espacio que le es interior y exterior a la vez? Y también los drogados, y los poseídos; los poseídos, cuyo cuerpo se vuelve infierno; los estigmatizados, cuyo cuerpo se vuelve sufrimiento, redención y salvación, sangrante paraíso.

Realmente era necio, hace un rato, de creer que el cuerpo nunca estaba en otra parte, que era un aquí irremediable y que se oponía a toda utopía.

Mi cuerpo, de hecho, está siempre en otra parte, está ligado a todas las otras partes del mundo, y a decir verdad está en otra parte que en el mundo. Porque es a su alrededor donde están dispuestas las cosas, es con respecto a él –y con respecto a él como con respecto a un soberano– como hay un encima, un debajo, una derecha, una izquierda, un adelante, un atrás, un cercano, un lejano. El cuerpo es el punto cero del mundo, allí donde los caminos y los espacios vienen a cruzarse, el cuerpo no está en ninguna parte: en el corazón del mundo es ese pequeño núcleo utópico a partir del cual sueño, hablo, expreso, imagino, percibo las cosas en su lugar y también las niego por el poder indefinido de las utopías que imagino. Mi cuerpo es como la Ciudad del Sol, no tiene un lugar pero de él salen e irradian todos los lugares posibles, reales o utópicos.

Después de todo, los niños tardan mucho tiempo en saber que tienen un cuerpo. Durante meses, durante más de un año, no tienen más que un cuerpo disperso, miembros, cavidades, orificios, y todo esto no se organiza, todo esto no se corporiza literalmente sino en la imagen del espejo. De una manera más extraña todavía, los griegos de Homero no tenían una palabra para designar la unidad del cuerpo. Por paradójico que sea, delante de Troya, bajo los muros defendidos por Héctor y sus compañeros, no había cuerpo, había brazos alzados, había pechos valerosos, había piernas ágiles, había cascos brillantes por encima de las cabezas: no había un cuerpo. La palabra griega que significa cuerpo no aparece en Homero sino para designar el cadáver. Es ese cadáver, por consiguiente, es el cadáver y es el espejo quienes nos enseñan (en fin, quienes enseñaron a los griegos y quienes enseñan ahora a los niños) que tenemos un cuerpo, que ese cuerpo tiene una forma, que esa forma tiene un contorno, que en ese contorno hay un espesor, un peso, en una palabra, que el cuerpo ocupa un lugar. Es el espejo y es el cadáver los que asignan un espacio a la experiencia profunda y originariamente utópica del cuerpo; es el espejo y es el cadáver los que hacen callar y apaciguan y cierran sobre un cierre –-que ahora está para nosotros sellado– esa gran rabia utópica que hace trizas y volatiliza a cada instante nuestro cuerpo. Es gracias a ellos, es gracias al espejo y al cadáver por lo que nuestro cuerpo no es lisa y llana utopía. Si se piensa, empero, que la imagen del espejo está alojada para nosotros en un espacio inaccesible, y que jamás podremos estar allí donde estará nuestro cadáver, si se piensa que el espejo y el cadáver están ellos mismos en un invencible otra parte, entonces se descubre que sólo unas utopías pueden encerrarse sobre ellas mismas y ocultar un instante la utopía profunda y soberana de nuestro cuerpo.

Tal vez habría que decir también que hacer el amor es sentir su cuerpo que se cierra sobre sí, es finalmente existir fuera de toda utopía, con toda su densidad, entre las manos del otro. Bajo los dedos del otro que te recorren, todas las partes invisibles de tu cuerpo se ponen a existir, contra los labios del otro los tuyos se vuelven sensibles, delante de sus ojos semicerrados tu cara adquiere una certidumbre, hay una mirada finalmente para ver tus párpados cerrados. También el amor, como el espejo y como la muerte, apacigua la utopía de tu cuerpo, la hace callar, la calma, y la encierra como en una caja, la clausura y la sella. Por eso es un pariente tan próximo de la ilusión del espejo y de la amenaza de la muerte; y si a pesar de esas dos figuras peligrosas que lo rodean a uno le gusta tanto hacer el amor es porque, en el amor, el cuerpo está aquí.

1 La recuperación del cuerpo en el proceso del despertar es un tema recurrente en la obra de Marcel Proust. (N. de la R.)

** La conferencia “El cuerpo utópico”, de 1966, integra el libro El cuerpo utópico. Las heterotopías, de reciente aparición (ed. Nueva Visión).

*Publicado en Pagina/12 el sábado 30 de octubre de 2010.

lunes, 25 de octubre de 2010

XVI° CONGRESO LATINOAMERICANO DE FOLKLORE DEL MERCOSUR Y XX° JORNADAS NACIONALES DE FOLKLORE


Las sesiones del XVIº CONGRESO LATINOAMERICANO DE FOLKLORE DEL MERCOSUR y XXº JORNADAS NACIONALES DE FOLKLORE se realizarán en la Ciudad de Buenos Aires, República Argen
tina, en el Área de Folklore del Instituto Unive rsitario Nacional del Arte, los días 9, 10, 11 y 1 2 de noviembre del corriente año.


OBJETIVOS

    • Analizar el rol del Folklore como herramienta de inclusión social.

    • Reflexionar sobre las identidades culturales y el Folklore como elemento constitutivo.

    • Profundizar la reflexión en torno al rol del Folklore en el contexto social actual.

    • Enriquecer el espacio de interacción y análisis de los avances y resultados de la investigación folklórica.

    • Producir un espacio de intercambio en torno a las producciones artísticas inspiradas en el folklore.

    • Analizar las políticas culturales y educativas vinculadas con el Folklore y propiciar las propuestas tendientes a priorizarlas.

EJE TEMÁTICO CENTRAL

Folklore, Identidad e Inclusión Social.

El Congreso en el año 2010 se ofrece como el espacio para pensar el folklore y las identidades culturales de la región del MERCOSUR en función de la inclusión social, problemática acuciante en el mundo de hoy, donde el poder tecnoeconómico genera constantemente mecanismos de exclusión. ¿Qué propuestas, qué acciones, qué ideas, se pueden generar para enfrentar esta temática con puntos de vista originales y propios? Éste es el desafío del Bicentenario para investigadores, estudiosos, artistas e interesados.

EJES TEMÁTICOS

  1. Folklore: Teoría y Metodología

  2. Folklore: Creencias Populares

  3. Folklore y Medios de Comunicación

  4. Folklore y Turismo Cultural

  5. Folklore y Educación

  6. Folklore y Expresiones Artísticas

  7. Folklore y Movimientos Populares

  8. Folklore. Alumnos Investigadores

  9. Folklore: Investigaciones Regionales


INFORMES E INSCRIPCIÓN:

folklore.congreso2010@iuna.edu.ar

ÁREA TRANSDEPARTAMENTAL DE FOLKLORE - IUNA

Sánchez de Loria 443/7 (1173) Capital Federal,

Republica Argentina. Tel/Fax (011) 4956-0075/0168. Interno 223

Horario de atención: lunes a viernes de 13 a 19 hs.

Celebración Anual de la Danza

5 al 14 de Noviembre
Rosario - Santa Fe - Argentina

Desde el 6 y hasta el 26 de Octubre estará abierta la inscripción a los cursos y jornadas organizados dentro del marco de la Celebración, a cargo de artistas de Argentina, Alemania y Australia. Los mismos cubren un espectro amplio dedicado a todos los estilos de Danza y a la formación y creación artística, la educación escolar, el arte y transformación social, técnicas del movimiento.
Según cada caso, están dirigidos a distintos tipo de participantes: bailarines, no bailarines, gestores culturales, docentes, maestros, integrantes de asociaciones y organizaciones independientes, artistas interesados en el movimiento, etc..

En resonancia con la propuesta de la Celebración los cursos mantienen accesibilidad en el costo.

sábado, 23 de octubre de 2010

La Ribot. Workshop y espectáculo.

IUNA PRESENTA
IV JORNADAS DE INVESTIGACIÓN
NUEVAS DRAMATURGIAS Y ESTÉTICAS DEL MOVIMIENTO

La coreógrafa española La Ribot estará en Noviembre en Buenos Aires para dictar el workshop Investigaciones sobre la risa, y hacer funciones de sus espectáculos Llámame Mariachi y Laughing Hole (Agujero de la risa).

Funciones:

Sábado 6 de noviembre a las 17 hs

Agujero de Risa (Laughing Hole)

- cinco horas de performance –

Centro Cultural España (CCEBA) - Paraná 1159


Domingo 7 de noviembre a las 21 hs

Llámame Mariachi

Centro Cultural de la Cooperación – Corrientes 1543

Entradas: $30

Informes: 5077-8000/8077

Charla Abierta: Lunes 8 de noviembre a las 16hs

Lugar a confirmar

workshop

INVESTIGACIONES SOBRE LA RISA

(del 5 al 9 de noviembre - 10 a 14hs)

Objetivo Este taller permitirá a los estudiantes compartir la investigación y la experiencia artística de La Ribot sobre la risa. Los estudiantes experimentarán la risa respecto al espacio, al movimiento, al estado del cuerpo. Para La Ribot, “La risa lleva consigo nuestro imaginario entero”.

Medio El taller se destina tanto a estudiantes de arte como a bailarines, actores o creadores relacionados con las artes escénicas. El trabajo se hará en grupo.

Método Se invita a cada individuo a realizar una acción o movimiento con la que inscribirse en el grupo y en el espacio. Por medio de la repetición, la concentración, la voluntad y la persistencia, la risa invade el cuerpo, el espacio, y pueda ser utilizada como metáfora, como acción real, como emoción e incluso como forma ausente del cuerpo.

Inscripción al workshop:

Llenar formulario aqui

Consultas: movimiento.investigacion@iuna.edu.ar

Días y Horarios

Viernes 5 de noviembre: de 10 a 14hs en DéjáVu- Estudio- Av Belgrano 2888 1º- Tel: 4932-7054

Sábado 6 de noviembre: de 10 a 11.15hs para el grupo de danza del CCC y de 11.30hs a 14hs para el grupo general en el C.C. Cooperación – Av. Corrientes 1543 Tel: 5077-8000

Lunes 8 de noviembre: Taller de 10 a 14 hs en DéjáVu- Estudio-

Martes 9 de noviembre: Taller de 10 a 14 hs en en DéjáVu- Estudio


Costo del taller: Estudiantes IUNA: $120

Público en General: $150

Oyentes: $70

Cupos limitados. No abonar hasta recibir confirmación con forma de pago

Inscripción al workshop:

Abierta la inscripción hasta el martes 2 de noviembre inclusive, en caso de no completarse el cupo se prolonga hasta el mismo comienzo del workshop. Para asegurarse el cupo es aconsejable inscribirse previamente (ingresando a convocatorias en www.movimiento.iuna.edu.ar/investigacion)


Selección

Pueden presentarte tanto integrantes de las instituciones convocantes como el público en general. Se hará una preselección sólo en caso de que el número de inscriptos supere el cupo. Se admitirán oyentes previa inscripión y sujeto a confirmación.


espectáculo

Llámame mariachi (2009)

Dirección y coreografía: La Ribot

Interpretación: Marie-Caroline Hominal, La Ribot, Delphine Rosay

Iluminación: Daniel Demont

La Ribot estrenó Llámame mariachi en La Comèdie de Ginebra, en coproducción con el Festival de Otoño de París. Un trío para mujeres. A propuesta de Babelia, la polifacética artista que ha creado un estilo particular y distintivo a partir de sus solos, discurre sobre temas cercanos a su estética y sus procesos creativos.

Cuenta La Ribot:

Del solo propio al trío de mujeres. O al dúo con Mathilde Monnier o al dúo próximo con Anna Williams. No son ideas preconcebidas, son cosas que surgen porque encuentro continuidad con ciertas personas y para mí es importante entender el trabajo como un proceso continuo, fragmentado temporal y espacialmente por la economía del espectáculo, del arte; o por las muchas otras razones que fragmentan la vida y el trabajo, pero donde doy mucha importancia a la continuidad.

He encontrado a estas mujeres: Marie Caroline Hominal y Delphine Rosay en Ginebra, Anna Williams en Londres y Mathilde Monnier en Francia. No cultivo el soliloquio per se. Empezó también así con las ‘Piezas Distinguidas’ y con Striptease. Lo cultivé en su momento pues también era necesario para mí y además estábamos en un momento político y económico del Madrid de los noventa muy concreto..., pero no tiene por qué continuar siendo así. Hominal y Rosay son dos intérpretes que me siguen divertidamente en casi todos los sentidos, complejos y caprichos de la creación.

No es fácil, pero casi me siento como si estuviera sola. Hay mucho entusiasmo y mucho respeto en este trabajo. En Laughinh Hole ya estoy con ellas, aunque lo hice antes sola y lo presenté en solitario por primera vez en Art unlimited Basel, un proyecto con Soledad Lorenzo; la versión con ellas es mucho más rica y además ¡tenemos las mismas batitas que en Carita de ángel! -una creación de La Ribot de 1988-, donde también éramos tres mujeres. Lo reciclo todo, es una forma de trabajar con la memoria, y una realidad permanente. Trabajar con mujeres en escena tiene algo de político, es una forma de feminismo sin militancia. No milito en nada, porque no sé cómo se hace (me desconcentro en el camino), pero hay simpáticas estrategias que me permiten imaginar y hablan por sí solas.


La Ribot

Nacida en España, comienza estudios de danza clásica en Madrid en 1975. En 1991 crea ¡Socorro! ¡Gloria! (striptease). Este trabajo se convierte en la semilla de su trabajo en solitario y fundamentalmente de las ’piezas distinguidas’. En 1993 presenta en Madrid 13 piezas distinguidas, serie de piezas que inaugura su proyecto de ’piezas distinguidas’. Allí presenta también Los trancos del avestruz, un dúo con el actor Juan Loriente. En 1995 presenta Oh! Sole!, su segundo dúo con el actor Juan Loriente.

Junto a las coreógrafas Ana Buitrago, Blanca Calvo, Elena Córdoba, Olga Mesa y Mónica Valenciano, crea una asociación llamada UVI-La Inesperada, que organiza proyectos y talleres para desarollar la investigación en danza contemporánea. En 1997 se traslada a Londres con el coreógrafo suizo Gilles Jobin y su hijo, donde continúa con su proyecto de las ’piezas distinguidas’. Desde Londres y en colaboración con Blanca Calvo y José A. Sánchez, organiza Desviaciones (1997-2001), una programación anual de dos semanas de conferencias, debates y performances en Madrid, donde presenta la segunda serie de ’piezas distinguidas’, Más distinguidas. En 1998 es nominada en Londres al Paul Hamlyn Foundation Award, premio para artistas visuales. En 1999 se estrena en Londres el gran game, primera obra de grupo. En el 2000 abre la temporada del Théâtre de la Ville en Paris en el teatro de Les Abbesses con Más distinguidas, y crea su tercera serie de ’piezas distinguidas’, Still distinguished, en co-producción. En ese año obtiene el Premio Nacional de Danza en 2000 del Ministerio de Educación y Cultura Español. En 2001 realiza su primer vídeo instalación, Despliegue, en adelante, Despliegue formará parte de la colección del museo Artium Vasco de Arte Contemporáneo en Vitoria, del MUSAC en España y del FRAC Lorraine en Francia. Anna y las más distinguidas se estrena en Tanz Performance, Colonia, Alemania. La segunda serie de ’piezas distinguidas’ es interpretada por la bailarina británica Anna Williams. En 2003. La Ribot presenta Panoramix, un compendio de 34 ’piezas distinguidas’ creadas en los últimos 10 años, dentro del marco de ’Live Culture’ organizado por Live Art Development Agency en la Tate Modern de Londres. Ese mismo año, esta performance de tres horas de duración también se presenta en el Palacio de Velázquez, Museo Reina Sofía, Madrid; en el Centre d’Art Contemporain de Ginebra, en el Quartz, Brest, en Francia y en el Centre Pompidou en París. La Ribot presenta sus nuevos trabajos en vídeo, Travelling y London-Helsinki en una exposición personal en la South London Gallery. El cineasta y productor suizo Luc Peter realiza un documental sobre las ’piezas distinguidas’ y Panoramix , titulado ’La Ribot distinguida’. En 2004 presenta 40 espontáneos en Le Quartz de Brest. La Ribot trabaja con un gran grupo de personas sin experiencia en escena. En 2005. La Ribot continua la gira de 40 espontáneos hasta el fin de 2006. Más de 500 ‘espontáneos’, habitantes de las 20 ciudades dónde ha presentado el espectáculo, participaron en el proyecto. En 2006 presenta Laughing Hole en Art Unlimited 37 en Basilea (Suiza); con la Galería Soledad Lorenzo de Madrid, también presenta sus vídeos de 2000-2006 en la Villa du Parc en Annemasse (Francia). En 2007 estrena una nueva versión de Laughing Hole en Antipodes-Le Quartz de Brest, con Delphine Rosay y Marie-Caroline Hominal, versión que continúa en la actualidad. La Ribot realiza Treintaycuatropiècesdistinguées&onestriptease, una compilación/documental en vídeo de todas las ‘piezas distinguidas’, editada en dvd por La Casa Encendida de Madrid. En 2008 crea con la coreógrafa francesa Mathilde Monnier, Gustavia, que se estrena en el Festival Montpellier Danse. En 2009, Llamame mariachi, su nuevo proyecto continua los otros trabajos en vídeo como Despliegue (2001), Travelling (2003) o Cuarto de Oro (2008), vídeo con la interpretación de Cristina Hoyos, la famosa bailarina flamenca y hecho para ’In_ter_va_lo’, ciclo de arte contemporáneo y flamenco en Sevilla. En estos vídeos, los intérpretes se filman ellos mismos bailando.

De renombre internacional, el trabajo de La Ribot explora la danza junto a otras formas de arte. Su investigación la lleva a crear piezas de video en las que filma desde del punto de vista del cuerpo bailando. Tanto artista visual como coreógrafa, La Ribot presenta su trabajo en galerías, teatros, festivales de danza, y utiliza la danza como medio de desafiar las disciplinas.

La Ribot transmite su experiencia y comparte sus investigaciones sobre la risa y el video a través de talleres. Entre 2004 a 2008 enseña en la HEAD (Haute Ecole d’Art et Design) en Ginebra. Junto a otros profesores, abre el departamento “Arts Action” dedicado a los artes escénicos. También, interviene regularmente en formaciones profesionales europeas como a la SNDO (escuela para el desarrollo de la danza nueva) en Amsterdam o en el Master Practicas Escénicas y Cultura Visual de la Universidad de Alcalá (Madrid).


Sobre las Jornadas 2010

La cuarta edición de las Jornadas de Investigación en Danza, está realizada por el Instituto Universitario Nacional de Arte, a través del Instituto de Investigación del Departamento de Artes del Movimiento, con la colaboración del Departamento de Artes Dramáticas y con el apoyo de Culturesfrance, Embajada de Francia en Argentina, Alianza Francesa, Embajada de Suiza, Embajada de España en Argentina, AECID Centro Cultural España en Buenos Aires, Embajada de Brasil, University of Utrecht, Centro Cultural de la Cooperación y el Centro Cultural Rector Ricardo Rojas.

Propósito

Estos encuentros proponen abrir un espacio de reflexión acerca de las ideas que hoy modifican el eje pedagógico, la experiencia coreográfica y las formas de pensar la danza. Estos espacios de discusión y praxis podrían transformarse en antesala de futuras investigaciones, además de ofrecer herramientas conceptuales para que los participantes intercambien ideas acerca de las transformaciones que hoy marcan una amplia diversidad en la producción escénica resultado de los cambios en los procesos creativos, del aporte de nuevos discursos escénicos, de las transformaciones en el tratamiento del cuerpo dentro del marco del arte contemporáneo y de la noción de género introducida en el discurso de la danza, entre otros.

Staff de las IV Jornadas de Investigación

Dirección: Susana Tambutti

Producción internacional: Fanny Rolland

Asistente de producción: Alejandro Karasik

El Instituto Universitario Nacional del Arte

Fue creado con el objetivo de jerarquizar la formación en el área artística en distintas disciplinas, dándoles un nivel universitario que aunara la teoría y la práctica como elementos fundamentales de una formación integral para artistas. En este marco, el Departamento de Artes del Movimiento es la Unidad Académica dedicada a las disciplinas referidas al movimiento, que ofrece títulos oficiales de mayor alcance en estas especialidades en Argentina. Los egresados de la institución están preparados para desempeñarse como profesionales en el área docente y del espectáculo, así como para ampliar el campo teórico y de análisis de la danza y el movimiento en general.

Coloquio Internacional

Llamado a ponencias

Coloquio internacional
Tango : Creaciones, identificaciones, circulaciones

París, 27-28 octubre 2011
Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS)


Comité científico: Christophe Apprill (Centre Norbert Elias), Carmen Bernand (Université Paris X), Denis Constant-Martin (Science Po Bordeaux), Didier Francfort (Université Nancy 2), Julien Mallet (IRD), Rafael Mandressi (CNRS-Centre Koyré), Emmanuelle Olivier (CNRS-CRAL), Michel Plisson (Paris IV)
Comité organizador: Marina Cañardo (EHESS-UBA), Sophie Jacotot (Université Blaise Pascal-CRAL), Esteban Buch (EHESS-CRAL)

Este coloquio internacional reunirá en París a investigadores que trabajan sobre los diferentes aspectos del tango (música, danza, poesía) a partir de perspectivas disciplinarias variadas (histórica, sociológica, antropológica, musicológica). En momentos en que el tango es objeto de un reconocimiento internacional oficial con su inscripción en la lista del patrimonio inmaterial de la Unesco, este encuentro interdisciplinario es organizado por el Centre de Recherches sur les Arts et le Langage (CRAL, EHESS-CNRS) en el marco del programa ANR GLOBALMUS.

Los debates se organizarán en torno a los siguientes ejes, presentes en las investigaciones recientes:

-Creaciones: tendencias estéticas de la creación actual, historia de las posturas creativas, vínculos con las formas de expresión y las técnicas corporales, tensiones entre creación y tradición, entre creación y homogeneización,

-Identificaciones: identidades nacionales, nomadismo y diáspora, orígenes “negras” del tango, instrumentalizaciones políticas y reivindicaciones de autonomía, cuestiones de género y de sexualidad,

-Circulaciones: recursos tecnológicos en contexto de globalización, nuevos medios de difusión y sus efectos sobre la pedagogía y la interpretación, estrategias comerciales y circuitos alternativos, impacto de la patrimonialización.

Los idiomas del coloquio serán el francés, el inglés y el español.
Las propuestas (máximo 350 palabras) deben enviarse a la dirección antes del 31 de marzo 2011, con las siguientes informaciones : nombre y apellido, teléfono, email y breve biografía del autor.

Presentación del Grupo de Danza de la Facultad de Bellas Artes




Jueves 21 de octubre - 20 hs - Facultad de Bellas Artes, Sede Fonseca (calle 10 entre 62 y 63)
Sábado 23 de octubre - 20:30hs -TACEC -Teatro Argentino
Entrada libre y gratuita


viernes, 22 de octubre de 2010

Hacia Mathilde

En el marco del
6° Festival Internacional de Cine Independiente de La Plata Festi Freak
se proyecta

Hacia Mathilde


Viernes 22 - 18:30 hs.
Cinema Paradiso (calle 46 entre 10 y 11)




Si bien hacer un documental sobre la danza puede resultar aburrido y abrumador, Hacia Mathilde consigue todo lo contrario, porque Claire Denis se sumerge y se entremezcla con el movimiento del cuerpo y capta lo esencial de la danza. Capta a Mathilde Monnier, reconocida coreógrafa francesa, casi como si fuera un retrato del movimiento, que a través de su voz en off guía la mirada de lo que queda afuera de la imagen, otros bailarines, otras escenografías. Podría decirse que esta película es una explicación de la danza moderna, de su surgimiento -metafóricamente expresado a través de la caja desde donde surgen los bailarines- del proceso de transformación que se da en la reiteración y una demostración del producto terminado.

miércoles, 13 de octubre de 2010

Bienal en Danza


La Prosecretaría de Arte y Cultura de la Universidad nacional de la Plata invita al público en general a Bienal en Danza - evento que se desarrollara en el marco de la Primera Bienal Universitaria de Arte y Cultura- a cargo de algunos de los coreógrafos, intérpretes y performers más representativos de la danza en nuestra ciudad.

Bienal en Danza, artistas que han realizado diversas búsquedas en la creación y producción coreográfica en el periodo de los últimos 20 años y por primera vez realizan esta muestra conjunta poniendo de manifiesto su estética y entramado.

El evento tendrá lugar durante la semana del 18 al 22 de Octubre en diversos días, horarios y espacios, a saber:

Lunes 18, 20.30hs, Sala de Conferencias en CC Islas Malvinas, TOMA 3 Compañía Proyecto en Bruto, Dirección: Florencia Olivieri. http://www.partidadanza.blogspot.com

Martes 19, 13hs, Patio Presidencia UNLP, “SEIS SERES SEMILLAS”, Performance de Danza Contemporánea,DirecciónCoreográfica:YamilaCruzValla.http://yamilacruzvalladc.blogspot.com

Miércoles 20, 20.00hs, Sala Piazzola Teatro Argentino, SPEAK 3.1, Performance + Nuevos Medios,Dirección:AlejandraCeriani,FabricioC.Alisedo,FabianKesler. http://www.speakinteractive.blogspot.com

Jueves 21, 21.30hs, Museo Provincial de Bellas Artes, “SOL I LEWITT” Danza Contemporánea, Dirección: Diana Rogovsky. http://www.alternativateatral.com/obra11999-sol-i-lewitt

Viernes 22, 21.30hs, Taller Teatro UNLP, “TIENE LA REVOLUCIÓN UNA MIRADA…”, Danza Folklórica + cruces de lenguajes, CÍA Cruce Urbano Dirección: Jorge Caballero.

http://www.cruceurbano.blogspot.com


Entrada libre y gratuita.



domingo, 10 de octubre de 2010

Jornada Teórica en el Festival de Tango Queer


En el marco de las actividades del IV Festival Internacional de Tango Queer de Buenos Aires se realizará la jornada teórica en el Centro Cultural de la Cooperación un encuentro con investigadores, escritores y artistas en el que habrá conferencias, debates y proyecciones.

Se realizará el jueves 14 de Octubre de 18 a 21 hs. en el Centro Cultural de la Cooperación (Corrientes 1543, Capital Federal), Sala Meyer Dubrovsky.

PROGRAMACIÓN

18.00 hs. Mesa 1. Teoría.

- “La representación de lo femenino en el diseño coreográfico del tango” María Mercedes Liska

- “Reflexiones sobre tango queer. Teoría y ontología” Juliana Corbelli

- “Perspectiva de la identidad de género a través del tango argentino” Maximiliano Ávila

19.00 hs. Exhibición digital de fotos “Crepúsculo interior” de Andy Bravo

19.15 hs. Mesa 2. Teoría y crónica.

- “Tango queer. Un enfoque diferente” Joaquín Funes, Claudio Sabate, Gladys Zendrini, Martha Roldán y Patricia Lasca.

- “El tango, la coreografía social y las cuestiones de género”. Pacha Brandolino

- “Una noche en la milonga”. Paula Jiménez

20.00 hs. Proyección del documental Una cuestión de tango de Sandra Fernández

Coordinación general: Mariana Docampo y Mercedes Liska

Informes: contacto@tangoqueer.com / 1532526894 / www.festivaltangoqueer.com.ar